El parergon: De la periferia al centro

El presente texto busca explicar el concepto de parergon y su evolución dentro de las artes visuales, para ello, nos remitimos a la Critica del Juicio (1790) de Immanuel Kant. Allí el filósofo alemán se refiere a los ornamentos (parerga) como aquello que no pertenece intrínsecamente a la obra de arte, aquello que no integra la representación, sino que es un aditamento externo que colabora en aumentar el placer de gusto únicamente a través de su forma. Seguidamente, se abordan los postulados de Derrida en La verdad en la pintura (1978), en donde entra a deconstruir la propuesta estética kantiana, cuestionando conceptos como el afuera y el adentro en la obra de arte, usando precisamente el concepto de parergon, al que Kant había marginalizado. Posteriormente vemos a Víctor I. Stoichita con su libro sobre La invención de cuadro (1993). Allí busca establecer una genealogía del parergon, tomando como punto de inicio el siglo XVI en los países bajos, lugar en el que surgen las naturalezas muertas. Stoichita estudia el fenómeno metapictórico que él llama “pinturas desdobladas”, donde el espacio del cuadro se abre más allá del marco, a través del recurso del trampantojo (trompe l’oeil) y la relación entre lo sagrado (ergon) y lo profano (parergon), y cómo la naturaleza muerta se emancipa de su lugar de parergon y se convierte en ergon. Finalmente, vemos cómo los posestructuralistas y posmodernos, desplazan del centro de sus reflexiones teóricas al autor y a la obra, y ponen en su lugar a los marcos institucionales, impulsando en el arte el resquebrajamiento de todos los límites, encuadres y marcos, tantos físicos como conceptuales. Como ejemplo, retomo la obra Shapolsky et al. Manhattan Real Estate Holdings, a Real-Time Social System as of May 1, 1971, de Hans Haacke, en donde el artista vincula a la obra con su entorno al traer el afuera del museo al interior de la obra.